Jacob's Ladder (1990) de Adrian Lyne

La vida del escritor y fotógrafo Bruce Joel Rubin, a comienzos de los ochenta, daría un vuelco significativo cuando en un artículo escrito por Stephen Rebello (periodista, guionista y escritor) para el número de la revista American Film Institute (AFI), aparecida en diciembre de 1983, enumeró los diez mejores guiones no producidos hasta ese entonces en Hollywood. La nota, cuyo título era "Uno en un millón" (One in a Million), analizaba en profundidad guiones que eran demasiado buenos para que sean producidos según sus palabras; Para tal tarea, Rebello previamente había leído 125 guiones recomendados por personas muy respetadas en la industria, quedando seleccionados estos diez títulos, que incluían a Total Recall, The Princess Bride, At Close Range y por supuesto Jacob’s Ladder. Stephen Rebello llenó de elogios al guion de Rubin, un thriller psicológico con elementos de terror y drama, y manifestó que era entretenido, poderoso y extraordinario. Bruce Joel Rubin se inspiró en una pesadilla que tuvo a comienzos de la década, y consistía en que estaba atrapado dentro de una estación de subte de la ciudad de Nueva York. Según sus palabras en diversas entrevistas comentó: "La idea del guion de Jacob’s Ladder comenzó como un sueño: estaba en un subte por la noche viajando por las entrañas de la ciudad de Nueva York. Hay muy pocas personas en el tren. Una terrible soledad me atrapa. El tren se detiene en la estación y me bajo. La plataforma está desierta. Camino hasta la salida más cercana y descubro que la puerta está cerrada. Un sentimiento de terrible desesperación comienza a latir a través de mí mientras camino hacia el otro extremo de la plataforma. Para mi horror, esa salida también está encadenada. Estoy totalmente atrapado y abrumado por una sensación de fatalidad. Sé con absoluta certeza que nunca volveré a ver la luz del día. Mi única esperanza es saltar a las vías y entrar en el túnel, la oscuridad. La única dirección desde allí es hacia abajo. Sé que la siguiente parada en mi viaje es el infierno. En parte eso salió de mi propio miedo y desesperación, porque nada en mi vida parecía funcionar. En (el Estado de) Illinois, sentí que mi historia se había evaporado por completo. Mi historia era, 'No tienes una historia.' Aquí estás, viviendo en una zona rural. Sin amigos, sin trabajo. Mi esposa está manteniendo a la familia. Básicamente, en mi mente, la historia había terminado. Podría haber renunciado a mis objetivos cinematográficos y establecido un estilo de vida diferente... Mi historia habría sido: 'Está bien, lo intentaste.' En cambio, me desperté de mi sueño del subte y me dije: 'Ese es un gran inicio para una película.' Luego traté de escribir mi salida del infierno...”

Rubin pasó un año escribiendo el guion mientras vivía en el Estado de Indiana antes de mudarse a la ciudad de Los Ángeles, California, para seguir su carrera. En su caso recibió ofertas y propuestas de compañías productoras de películas de terror de bajo presupuesto, pero decidió dejar el proyecto "guardado en el estante" hasta que pudiera atraer la atención de cineastas y estudios más notables. Esta apuesta dio sus frutos cuando el director británico Adrian Lyne, que había logrado recientemente los éxitos de taquilla con 9 semanas y media (9½ Weeks, 1986) y Atracción fatal (Fatal Attraction, 1987), descubrió el guion de Jacob’s Ladder en el otoño norteamericano de 1988. Rubin señaló que la huelga del Sindicato de Escritores de América (WGA) de ese mismo año provocó que Lyne ampliara el radar en su búsqueda de nuevos guiones, buscando material que no estaba ya opcional. Después de una sola reunión con el guionista Rubin, Lyne se hizo del guion de Jacob’s Ladder, al que consideró como una "novela increíblemente intimidante" y llamó a su agente para avisarle que rechazaba dirigir La hoguera de las vanidades (The Bonfire of the Vanities, 1990) quedando el proyecto en manos de Brian De Palma. Pese a que Paramount Pictures tenía una relación lucrativa con Lyne, en ese momento asumió para hacerse cargo un nuevo equipo de ejecutivos que decidieron descartar el proyecto. Adrian Lyne continuó buscando otros estudios que aceptaran el difícil desafío de filmarla. Finalmente la productora y distribuidora Carolco Pictures aceptó llevar adelante la realización de la película.

La primera versión del guion evocaba las elaboradas pinturas del pintor neerlandés Hieronymous Bosch, especialmente de su obra “El Jardín de las delicias”, dando cuenta del fuego del infierno y azufre; Sin embargo, Lyne consideraba que llevar adelante este enfoque de Rubin era demasiado duro para las compañías productoras, por lo que ambos pasaron un año discutiendo formas de capturar alucinaciones y personajes abstractos, como demonios y otras apariciones. Después de investigar experiencias cercanas a la muerte, mirar documentales de la Guerra de Vietnam y observar laboratorios de efectos especiales, Lyne decidió filmar las secuencias de fantasía a cuatro fotogramas por segundo, en contraposición al estándar de la industria de veinticuatro fotogramas, sacudiendo la cámara, creando una sensación horrible de movimiento vertiginoso y acelerado cuando se reproducen a velocidad estándar en la película. También simplificó la simbolización de la "Escalera de Jacob" (traducción literal de Jacob’s Ladder), que da cuenta de uno de los pasajes del Génesis en La Biblia, la cual hacía referencia de una escalera que se le apareció al patriarca Jacob en un sueño, donde los ángeles la utilizaban para ascender al cielo y descender a la tierra; Esto se cambió a una "escalera al cielo" simbolizando discretamente la reunificación del padre con su hijo muerto. El director Lyne señaló que la escena se inspiró en su propio deseo de volver a conectar con su propio padre y antagonista, que murió quince años antes de esta producción.

El casting para seleccionar a los protagonistas principales, tanto Jacob como su pareja Jezzie, fue complejo. Primero optaron por probar actores de alto perfil como Dustin Hoffman, Richard Gere y Al Pacino, hasta que a finales de mayo de 1989 el joven actor Tim Robbins había sido elegido; en ese momento Madonna y Demi Moore estaban compitiendo por el rol de Jezzie, después de pasar un filtro de casi 300 actrices compitiendo por el papel principal femenino, dejando en el camino figuras que estaban surgiendo en ese entonces como Andie MacDowell y Julia Roberts. Para el 22 de agosto de ese año, la actriz norteamericana de familia cubana, Elizabeth Peña fue confirmada como la co-protagonista. Hay que decir que Robbins y Peña no tenían mucha experiencia como actores principales en ese momento de sus carreras.

El resto del elenco se compone de Danny Aiello haciendo del quiropráctico Louis, Jason Alexander como Geary, Matt Craven es el químico experimental Michael Newman, Patricia Kalember como Sarah, la ex esposa de Jacob; S. Epatha Merkerson interpretando a Elsa, Pruitt Taylor Vince haciendo de su compañero en la guerra Paul, Gloria Irizarry como la señora Carmichael, Eriq La Salle y Ving Rhames interpretando a Frank y George respectivamente y Lewis Black como el médico de Jacob, entre otros. También hubo varios actores no acreditados en el film, el más destacado siendo Macaulay Culkin, que juega un papel fundamental como el hijo fallecido de Jacob, "Gabe", pero su nombre no aparece en pantalla durante los créditos finales.

La "cabeza zumbante y vibrante" de la película se basa libremente en las pinturas de estilo figurativo del pintor británico Francis Bacon. El director de fotografía, Jeffrey Kimball, explicó que los realizadores querían evitar "un punto de vista omnisciente, que tendería a sugerir que los demonios eran reales", haciendo que la audiencia se preguntara si las fantasías se veían realmente desde la perspectiva del protagonista Jacob. Es por esto que Adrian Lyne ordenó a Tim Robbins estar en el set para observar las secuencias de efectos especiales desde lejos. El actor nunca fue filmado en las mismas escenas que sus "visiones", y el propio Lyne se abstuvo de filmar las tomas de las reacciones de Robbins de inmediato, dándole tiempo al actor para que pueda recrear los "demonios" en su memoria.

Las filmaciones comenzaron el 11 de septiembre de 1989 en diversas locaciones de la ciudad de Nueva York, incluyendo Brooklyn, Queens y Staten Island; Aunque la mayoría del rodaje tuvo lugar en lugares reales, un edificio de Williamsburg (un barrio de Brooklyn) fue recreado en un set de filmación con sonido. La escena del subte se rodó en el nivel inferior que estaba en desuso dentro de la estación de Bergen Street en Brooklyn. El rodaje también tuvo lugar en el Hospital Sea View de Staten Island; el Essex County Courthouse en Newark, New Jersey; y una oficina de correos en el Madison Square Garden. En enero de 1990, se concluyó el rodaje utilizando las selvas ubicadas cerca de Laguna Tortuguero, en Puerto Rico, que se presentaban como si fuera Vietnam. Se construyeron en el lugar un campamento del ejército y un pueblo vietnamita, donde las escenas de batalla fueron recreadas y supervisadas por el Capitán Dale Dye, quién también tuvo un rol como asesor técnico militar, y un pequeño papel, en la película Pelotón (Platoon, 1986). Para este film, los realizadores además contaron con el apoyo del Instituto Puertorriqueño de las Artes, Ciencias e Industrias Cinematográficas y de Televisión.

Mario Kassar y Andrew G. Vajna fueron los productores ejecutivos, Alan Marshall se encargó de la producción general, Maurice Jarre compuso el score musical y la edición del film corrió por cuenta de Tom Rolf; Incluso el propio Bruce Joel Rubin recibió una acreditación más como productor asociado. El presupuesto inicial de Jacob’s Ladder fue estipulado en u$s25 millones, pero finalmente en diversos medios, se declaró que la película se hizo por un total de 40 millones de dólares. El film tuvo su premiere en Hollywood, California, el 29 de octubre de 1990; aunque las proyecciones de prueba llevaron al director Lyne a cortar casi treinta minutos de la película, principalmente al final. Una secuencia de las editadas representaba a un carnicero cortando un pedazo de carne ensangrentada. Durante la postproducción, en el último mes de edición, una quinta parte del material filmado en crudo se removió de la película, incluyendo una escena con un profesor que representó al mentor de la vida real del escritor Bruce Rubin. El propio Rubin declaró que el personaje era importante para establecer a Jacob como un académico que estudió filosofía, pero admitió que el corte de esa escena era necesario para perfeccionar la narrativa.

Resumen argumental

El profesor de filosofía, convertido en trabajador postal, Jacob Singer se queda dormido mientras viaja solo en un subte de la ciudad de Nueva York durante la noche tarde, en ese momento recuerda una batalla en la que fue protagonista el 6 de octubre de 1971, en el delta del Mekong de Vietnam. Ese día, varios soldados de EE.UU. que fumaban marihuana fueron sitiados de sorpresa por el enemigo, mientras tenían una violenta reacción a la droga, por lo que su campamento base fue diezmado en el ataque. Sobreviviendo al incidente inicial, Jacob se interna en la selva para escapar y termina siendo atravesado por la punta de un rifle de asalto. De vuelta en el subte, Jacob se despierta del sueño y baja del tren en la estación abandonada de Bergen, solo para descubrir que está encerrado dentro. Mientras camina por las vías para encontrar una salida, esquiva una formación lleno de figuras fantasmales que lo observan estando presionados contra los cristales de las ventanas. Cuando finalmente llega a su casa, Jacob le hace el amor a Jezzie, su pareja y compañera de la oficina de correos. Más tarde se despierta de una pesadilla y Jezzie le lleva un paquete que le trajo uno de sus hijos con fotografías de su ex-esposa Sarah y de Gabe, su hijo muerto. Al notar la reacción emocional que le genera ver estas imágenes a Jacob, Jezzie toma la decisión de desechar todas las fotografías en el incinerador del edificio, exceptuando una pequeña foto de Gabe que el hombre logra salvar guardándolo dentro de su billetera. Jacob posteriormente va a visitar a su quiropráctico amigo, Louis, y mientras le hace su tratamiento allí le provoca un flashback a Jacob, donde lo vuelve momentáneamente a Vietnam. A partir de ese instante, Jacob comenzará a sufrir una serie de nuevas alucinaciones fantasmales (con la guerra, su vida anterior cuando su hijo Gabe vivía, y los demonios que se le aparecen de repente), donde ya no podrá discernir la realidad de lo inconsciente imaginado que le resulta doloroso e insoportable. Todo lo llevará a sospechar de una conspiración militar que escapa a su entendimiento y que también afecta a sus ex-compañeros de guerra, los cuáles a va visitar para hablar sobre el asunto. ¿Hasta donde el descenso a la locura tiene que ver con los experimentos de una droga alucinógena por parte del Ejército? ¿Todo lo que vemos que le irá sucediendo al protagonista será tan "real y vívido" como aparenta ser?

Apreciaciones generales

Jacob’s Ladder tuvo su estreno nacional en Estados Unidos el 2 de noviembre de 1990, y pese a algunas críticas iniciales, fue la película más taquillera en su primer fin de semana, ganando 7,5 millones de dólares. Diversos medios de comunicación dieron cuenta que el éxito tomó por sorpresa a los expertos de Hollywood, e incluso hasta de los propios ejecutivos de TriStar Pictures (empresa que se encargaba de distribuir todos los títulos de Carolco dentro de EE.UU.), que entendieron que la complejidad de la historia no era una venta fácil para el público principal. Desde TriStar atribuyeron la ventaja estratégica al trailer que fue bien recibido y a la fecha escogida para su lanzamiento, por lo que el estudio planeó ampliar el número de salas cinematográficas para el segundo fin de semana, añadiendo 208 teatros. Sin embargo, al final del mes la venta de entradas había disminuido considerablemente.

Los críticos por su parte acreditaron el éxito de Jacob’s Ladder a los films anteriores del director Lyne y a la exitosa película, también escrita por Bruce Joel Rubin, Ghost: la sombra del amor (Ghost, 1990) de Jerry Zucker que fue lanzada en Estados Unidos en julio de ese mismo año.

En Argentina Jacob’s Ladder fue editada en video por el sello VideOmega con el título Alucinaciones del pasado, nombre con el que se la conoció en toda la región; aunque en el doblaje que se hizo en México se la tituló bajo la traducción literal de La escalera de Jacob. VideOmega, junto con LK-Tel, eran los que se encargaban de editar el material perteneciente a Columbia TriStar Home Video en el país, aunque en el caso de esta editora solo traía el material más independiente y clase B de las compañías de Hollywood en general, y de Carolco Pictures en particular.

-Portada del VHS argentino.

Federico

One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975) de Miloš Forman

En 1960 Ken Kesey era un graduado del Centro de Escritura Creativa de la Universidad de Stanford, para sostener sus estudios tomó un empleo como asistente nocturno en el Hospital de Veteranos de Palo Alto, California. Durante el turno de la medianoche y el amanecer, mientras trabajaba, escribió una novela basado en sus vivencias y lo que observaba en el lugar, ya que Kesey a menudo pasaba tiempo hablando con los pacientes y a veces bajo la influencia de las drogas alucinógenas con las que se había ofrecido a experimentar; Él no creía que estos pacientes estaban locos, sino que la sociedad los había expulsado porque no encajaban con las ideas convencionales de cómo se suponía que la gente debía actuar y comportarse. Finalmente tituló su escrito como One Flew Over the Cuckoo’s Nest (Uno voló sobre el nido del cuco) y la historia fue publicada por una editorial de New York dos años después, en 1962; El título del libro remite a una oración de una canción infantil que habla sobre el vuelo de tres gansos que se separan de una bandada, que la abuela del Jefe Bromden le cantaba cuando era niño; de hecho el "Uno" que vuela del título corresponde justamente a este personaje central, que funciona como narrador principal de la novela. Su narrativa anti-establishment fue abrazada por la floreciente contracultura de la sociedad norteamericana convirtiéndose en un éxito absoluto.

En junio de ese mismo año, la compañía del actor Kirk Douglas, Joel Productions, compró los derechos de la novela para producir una versión teatral para Broadway, además de adaptar la trama a una película con guion de Dale Wasserman; Douglas tenía en mente protagonizar a Randle P. McMurphy mientras que George Roy Hill fue seleccionado para dirigir el potencial film. El proyecto teatral también contó con Wasserman elaborando el guion y la obra se estrenó en Broadway en 1962; La producción teatral fue dirigida por Alex Segal y protagonizada por Douglas como R.P. McMurphy, Ed Ames (Jefe Bromden), Joan Tetzel (la enfermera Ratched), William Daniels (Harding) y Gene Wilder como Billy Bibbit.

Mientras viajaba por algunos países de Europa del Este, Kirk Douglas conoció en Praga al director checoslovaco Miloš Forman, que en ese momento era un importante referente de la denominada “Nueva Ola Checoslovaca” del cine de su país en la década del 60; el encuentro produjo que más tarde le enviara por correo una copia de la novela. Forman nunca recibió el libro, producto de las estrictas leyes de censura y supervisión por parte de los funcionarios de aduanas checos, por lo que él y Douglas no se reunieron de nuevo durante muchos años después. Tras la invasión de los países del Pacto de Varsovia a Checoslovaquia en 1968, sus primeras películas fueron prohibidas por el gobierno comunista y Forman se vio obligado a abandonar su país asentándose en los Estados Unidos.

Para diciembre de 1970, Douglas todavía mantenía la propiedad de los derechos, ya que Dale Wasserman había vendido recientemente sus derechos cinematográficos a Joel Productions mientras retenía los derechos para las adaptaciones principalmente en televisión y teatro. El continuo deseo de Douglas de desarrollar la adaptación cinematográfica se vio frustrado por varios obstáculos, incluyendo el litigio presentado por Wasserman que trabó los derechos durante dos años. En el año 1971, Kirk Douglas creía que ya no era lo suficientemente joven para poder interpretar el papel de McMurphy (el actor ya estaba cerca de los 60 años) y le cedió la propiedad a su hijo Michael Douglas, que en ese momento empezaba a incursionar en la actuación. Michael hizo un trato con Saul Zaentz que manejaba una pequeña compañía discográfica llamada Fantasy Records, y del cual estaba buscando diversificarse en el cine formando una filial a la que denominó Fantasy Films.

Para fines de marzo de 1973 Fantasy Films anunció que planeaba financiar la película, marcando el debut de Michael Douglas como productor con su pequeña empresa Bryna Company. Inicialmente Hal Ashby dirigiría la película, pero tanto Zaentz como Douglas más tarde lo reemplazaron por Miloš Forman, que por entonces ya vivía en la ciudad de Nueva York y según sus palabras fue contratado porque estaba disponible en el rango de precios que los productores podían pagar; Ambos no sabían que Kirk Douglas originalmente quería que Forman dirigiera One Flew Over the Cuckoo’s Nest en primer lugar. Lo interesante de incorporar a Miloš Forman, que voló a California para discutir el guion página por página, es que les describió a los productores lo que haría con la trama, en comparación con otros directores que estaban en consideración.

Los productores esperaron nueve meses para que el actor Jack Nicholson completara su papel en el film The Fortune (1975) y pudiera interpretar a R.P. McMurphy; Nicholson fue considerado por sugerencia de Ashby cuando formaba parte del proyecto y en su contrato, en lugar de un pequeño salario como el resto del elenco, negoció un porcentaje de las ganancias del film. Al comienzo fueron convocados el actor Delos V. Smith Jr., que repitió su papel de Scanlon donde ya lo había hecho en una producción teatral de Huntington Hartford y Danny DeVito, que había aparecido como Martini en una obra de teatro off de Broadway durante un revival en 1971; La actriz Mimi Sarkisian había aparecido también interpretando a la enfermera Pilbow en una producción teatral de San Francisco.

En el caso de William “Will” Sampson Jr., un nativo americano del pueblo de los Muscogee Creek que habitan los bosques del sureste del país, que nunca antes había actuado hizo su debut en el cine haciendo el papel del Jefe Bromden. Will Sampson fue seleccionado para el papel porque era el único nativo americano que el departamento de casting pudo encontrar, cerca de la zona de filmación, y que además coincidía con los dos metros de altura que requería el personaje. También debutaron en la versión cinematográfica de One Flew Over the Cuckoo’s Nest los actores Christopher Lloyd haciendo de Taber y Brad Dourif como Billy Bibbit.  Louise Fletcher fue escogida para hacer de la enfermera Mildred Ratched, luego de que las actrices Ellen Burstyn, Angela Lansbury, Jeanne Moreau y Anne Bancroft entre otras rechazaran el papel. Luego de realizar su última audición con Forman, Zaentz y Douglas a finales de 1974, el día después de Navidad, el representante de Fletcher la llamó para decirle que la esperaban en el Hospital Estatal de Oregón en Salem el día 4 de enero para comenzar con los ensayos.

El propio Ken Kesey participó en las primeras etapas del desarrollo del guion escribiendo un borrador que le presentó en 1972 a Michael Douglas y por el cual le pagaron pero fue rechazado, ya que estaba escrito en primera persona desde el punto de vista del Jefe Bromden, al estilo de la novela; Kesey se retiró de la preproducción después de diferencias creativas con los productores sobre el casting y el punto de vista narrativo. Los productores Saul Zaentz y Douglas contrataron a Bo Goldman y Lawrence Hauben, quienes cambiaron el punto de vista a tercera persona; Miloš Forman se había contactado con Bo Goldman, un hombre con amplia experiencia en escribir guiones televisivos, para que escriba el guion cinematográfico de One Flew Over the Cuckoo's Nest, labor que compartió con Hauben, un actor devenido en guionista con poca experiencia en la industria pero conocedor del cine de Forman en su país.

El rodaje comenzó el 13 de enero de 1975 y duró hasta mitad de abril de ese año. La película se filmó casi enteramente en el Hospital Estatal de Oregon en la ciudad de Salem, que proporcionó a la compañía productora un ala completa del nosocomio para poder ser utilizados como decorados y oficinas administrativas; Fantasy Films pagó una cuota por día de 250 dólares de alquiler por utilizar las instalaciones. Otra locación importante fue en la ciudad costera de Depoe Bay en las afueras de Oregon.

Varios pacientes aparecieron en la película como extras, o sirvieron como técnicos o personal de mantenimiento. El director del hospital, el Dr. Dean R. Brooks, apareció en la película en el papel de Dr. John Spivey, y hasta el Gobernador de Oregon de ese entonces, Tom McCall, interpretó a un presentador de noticias aunque sin acreditar. Completaron el resto del reparto Peter Brocco como el Coronel Matterson, el músico y actor Scatman Crothers haciendo del guardia nocturno Turkle, Michael Berryman interpretando a Ellis, Vincent Schiavelli (Fredrickson), Josip Elic (Bancini), Alonzo Brown (Miller), Mwako Cumbuka (Warren), Nathan George (Washington), Sydney Lassick (Cheswick), William Redfield (Harding) y Lan Fendors haciendo de la enfermera Itsu entre otros. A destacar los casos sin acreditar de la actriz Anjelica Huston interpretando a una joven mujer entre la multitud en la escena del muelle y el propio Saul Zaentz como un Capitán en la costa. Antes del comienzo de la filmación, los actores y actrices tuvieron una semana de ensayos a comienzos de enero de 1975, durante la cual observaban a los pacientes en su rutina diaria y en terapia de grupo, e incluso algunos de los actores durmieron en las salas durante la noche. Jack Nicholson y Louise Fletcher también fueron testigos de la terapia de electroshock que se le realizó a un paciente.

El resto del equipo técnico principal estuvo conformado por Martin Fink como productor asociado, los editores fueron Sheldon Kahn y Lynzee Klingman bajo supervisión de Richard Chew, la música fue compuesta por Jack Nitzsche y Haskell Wexler fue el director de fotografía. En el caso de Wexler, cerca del final de la filmación, fue despedido y reemplazado por Bill Butler; Forman comentó posteriormente que había finalizado con los servicios de Wexler por diferencias artísticas, aunque tanto Wexler como Butler luego recibieron nominaciones a los Premios de la Academia a la Mejor dirección de fotografía.

La producción sobrepasó el presupuesto inicial de 2 millones de dólares pero Zaentz, que estaba financiando personalmente la película, fue capaz de aportar dinero adicional tomando un préstamo, poniendo como aval su compañía Fantasy Records. El presupuesto total de One Flew Over the Cuckoo’s Nest ascendió a 4,4 millones de dólares. La compañía United Artists Corporation, en esa época administrada por la compañía Transamerica Corporation, acordó ser la distribuidora del film. La película se estrenó el 19 de noviembre de ese mismo año en salas de las ciudades de New York y Los Ángeles, siendo la segunda película más taquillera estrenada en 1975 en los Estados Unidos y Canadá, con una recaudación total de 109 millones de dólares, convirtiéndose además en la más exitosa del año 1976. En todo el mundo, el film tuvo una recaudación de 163.250.000 dólares y la película se convirtió en la de mayor recaudación lanzada por la compañía United Artists hasta ese momento.

One Flew Over the Cuckoo’s Nest tuvo 9 nominaciones a los Premios Oscar de la Academia, de los cuales tiene el gran mérito de ganar los cinco más importantes de la industria (los denominados "Big Five"): Mejor Película, Mejor Actor (Jack Nicholson), Mejor Actriz (Louise Fletcher), Mejor Director (Miloš Forman) y Mejor guion adaptado (Lawrence Hauben y Bo Goldman); el resto de las nominaciones fueron a las categorías de Mejor Actor de Reparto (Brad Dourif), Mejor Cinematografía, Mejor edición de película y Mejor música original (Jack Nitzsche). La película también ganó los Globos de Oro a la Mejor película-drama, Mejor guion-película, Mejor actor de cine (Nicholson), Mejor actriz de cine (Fletcher), Mejor director y Mejor debut en una película (Dourif), entre muchos otros premios. 

Resumen argumental

La historia nos ubica en el otoño de 1963, dentro de un hospital psiquiátrico estatal en Oregón. En ese momento ingresa, esposado y escoltado por policías, Randle Patrick "R.P." McMurphy, que está ansioso por escapar de una granja de trabajo, donde está cumpliendo una sentencia de seis meses por el cargo de violación de menores, ya que cometió estupro con una niña de 15 años. McMurphy es entregado por los oficiales al asilo y allí intenta saludar a un nativo americano muy alto, llamado Jefe Bromden, que se encuentra con una mirada en blanco y sin respuesta. Billy Bibbit, el paciente más joven y ansioso en la sala que tiene un tartamudeo marcado, le informa a McMurphy que Bromden es sordomudo.

Más tarde el Dr. Spivey, el psiquiatra jefe a cargo del hospital, se reúne con el recién llegado y le dice a McMurphy que los funcionarios de la prisión creen que está fingiendo estar loco para ser transferido a una institución mental y así evitar trabajos forzados; El Dr. Spivey le informa que el personal del hospital lo evaluará para determinar si debe ser devuelto para completar su sentencia o permanecer en el asilo, pero que por el momento estará internado en la sala supervisada por la enfermera jefe Mildred Ratched, una mujer fría y tirana que intimida y domina a sus pacientes.

R.P. McMurphy llega a la sala de Ratched mientras dirige una sesión de terapia de grupo en la que insta a los hombres a discutir los problemas maritales y sexuales de Harding, un paciente educado y bien hablado que sospecha que su esposa es infiel. Los hombres sentados en círculos son reacios a hablar pero Mildred Ratched, con la asistencia de la enfermera Pilbow, los anima a que hablen del tema. Debido a la naturaleza intrusiva de la discusión, Harding se molesta causando tensión dentro del grupo. La sesión termina con fuertes argumentos que incitan a los enfermeros a sacar físicamente a algunos de los pacientes de la sala para restaurar la paz.

Durante un intervalo donde los pacientes realizan ejercicios al aire libre, McMurphy alienta al Jefe Bromden para que juegue al básquet, para eso recurre a subirse a los hombros de otro paciente que se encontraba sentado, acercándose de esta manera al aro y encestando la pelota, pero Bromden demuestra poco interés en el juego. Más tarde, R.P. McMurphy anima a sus compañeros pacientes a jugar blackjack, en lugar del habitual juego de cartas pinochle, mediante el uso de cigarrillos para representar monedas de diez centavos. Los otros pacientes que va conociendo son Charlie Cheswick, una persona temperamental; Martini, que se comporta como un infante; Dale Harding, un hombre existencialmente desesperado; el beligerante y profano Max Taber; los epilépticos Jim Sefelt y Bruce Fredrickson; Scanlon, una sujeto tranquilo pero violento y varios otros con enfermedades mentales crónicas.

McMurphy a partir de ese momento, por situaciones que observa y que considera injustas, establecerá una batalla personal con la serena pero tiránica enfermera Ratched, que trata de mantener un firme control sobre la sala de hombres, junto a la enfermera Pilbow, distribuyendo medicamentos diarios a sus pacientes. La presencia activa y rebelde del nuevo ingresante será percibido por Mildred Ratched como una amenaza a su autoridad.

Apreciaciones generales

One Flew Over the Cuckoo’s Nest estableció firmemente la reputación de Miloš Forman en la industria norteamericana como realizador, donde luego continuó filmando películas exitosas y multipremiadas a lo largo de los años. Por el lado del escritor Ken Kesey, originalmente estuvo involucrado en la película pero abandonó tras dos semanas en producción. Él afirmó que nunca había visto la película debido a una disputa sobre los 20.000 dólares que inicialmente le pagaron por los derechos cinematográficos de su obra. Kesey detestaba que, a diferencia del libro, la película no fuera narrada por el Jefe Bromden y no estaba de acuerdo con el casting de Jack Nicholson como Randle McMurphy (quería a Gene Hackman en su lugar). A pesar de esto la mujer del escritor, Faye Kesey, dijo en años posteriores que su marido en verdad con el tiempo apoyó la película y estuvo contento de que fuera realizada para la pantalla grande.

-Poster alternativo de la película.

Federico

El extraño trailer "perdido" de la película The Terminator (1984) de James Cameron

A comienzos de 1991, la compañía Hemdale Film Corporation incorporó en sus filas a Eric Parkinson, un ejecutivo con amplia experiencia en manejar el negocio del video doméstico para otras productoras. La idea de la compañía, que no estaba pasando por un buen momento financiero, era establecer un brazo de distribución de video hogareño para su catálogo fílmico. Hasta entonces, Hemdale nunca había tenido una unidad de este tipo, ya que todas sus películas (la mayoría realizadas en coproducciones con otras empresas, mayormente Orion Pictures Corporation) fueron editadas por Thorn EMI Video (con sus cambios societarios hasta ser HBO Video), Vestron Video, Embassy Home Entertainment y Nelson Entertainment. Es entonces que se constituyó Hemdale Home Video, Inc. como la editora propia de Hemdale Film Corporation.

Rápidamente Parkinson no perdió el tiempo y el primer título editado por la flamante empresa fue The Terminator (1984), justo en la misma semana en que Terminator 2: Judgment Day (1991), la secuela dirigida por James Cameron se estrenó en los cines; Esto supuso que el lanzamiento en video fuera un éxito inmediato, impulsando a que se siguieran editando más películas. Esto se debió a que se hizo un nuevo master en 4:3 fullscreen en formato Pan & Scan de mejor calidad que en las ediciones en video anteriores, y además que incluía la presentación de Hemdale Film Corporation y no la de Orion al comienzo. Como consecuencia de este lanzamiento, Hemdale Home Video significó en sus inicios una máquina de hacer dinero para todas las operaciones de la compañía fílmica madre. Además de editarse en formato VHS, también tuvo su correspondiente edición en Laserdisc a través de Image Entertainment, una de las empresas que se encargaban de editarles a todas las editoras de video su catálogo en disco óptico.

En 1995, la compañía Hemdale Home Video fue reorganizada como un paso previo para un cierre general de las operaciones, debido a la desaparición de su empresa matriz por problemas económicos (ya para ese entonces reconvertida a NSB Film Corporation); pero antes de eso, nuevamente junto a Image Entertainment editaron también en laserdisc una remasterización del film con tecnología THX. El proceso de restauración, tanto de video como de audio, de la película se hizo a partir de un transfer obtenido de un inter-positivo (que tenía Hemdale Film Corporation en su poder) quedando en un formato widescreen letterbox 1.85:1 (adaptado para televisores de tubo) y sonido Dolby Digital 2.1. En 1997 Image Entertainment, con los activos que quedaban de Hemdale Home Video, Inc. y NSB Film Corporation editó esta misma versión en el nuevo y prometedor formato DVD, por aquél entonces, utilizando el mismo transfer que en la versión Laserdisc THX.

-Portada de la edición laserdisc THX de Hemdale/Image de 1995 y portada de la edición de Image Entertainment y Hemdale Home Video en DVD de 1997.

Estas ediciones de The Terminator, además, contienen por primera vez como material extra el theatrical trailer que se proyectó en los cines de Estados Unidos; Pero lo interesante de todo esto es que si lo comparamos con el mismo trailer que posteriormente fue incluido en la edición especial de dos discos DVD, editado por MGM Home Entertainment en el año 2001, se observa que ambos presentan imágenes diferentes. En su mayor parte son idénticos (ambos conteniendo la misma narración). Sin embargo, en algunos casos se utilizan en el montaje diferentes clips de escena en cada uno. Por ejemplo, la versión del trailer de MGM muestra más el endoesqueleto del T-800 que en el trailer de Image/Hemdale, donde se muestran otras escenas en esas partes.

Donde me quiero detener, como hecho curioso, es que la toma de la persona que está en el estacionamiento del motel abriendo el paso y retrocediendo contra su camioneta (que luego secuestran Kyle y Sarah en el clímax de la película) cuando camina el terminator hacia la puerta de la habitación, se encuentra sin la visión infrarroja del cyborg; Es curioso ver la imagen cruda, sin procesar de esa escena (aunque son solo segundos). Hasta ese momento, solo se podía apreciar esta curiosa y primitiva versión del trailer editado en el Laserdisc de 1995, así como en el DVD de 1997 de Image, mientras MGM presentaba otra versión del trailer determinada como la versión final. Es por esto que a la luz del material restaurado disponible, va a ser muy difícil que a futuro se pueda ver las próximas ediciones que se hagan de la película en formato físico, ya sea en nuevos Blu- ray o por primera vez en 4K UHD; Quizás esto es debido a que en los archivos de la Metro-Goldwyn-Mayer no esté disponible.

-Foto 1: imagen del trailer en formato fullscreen, editado por Image, con la imagen limpia sin ningún tipo de efectos visuales.

-Foto 2: versión del trailer de la edición de MGM, donde se muestran los mismos segundos de la escena con la visión infrarroja, pero sin incluir el Head-Up Display (HUD) o visualización frontal, que es el sistema del procesador que se encarga de proyectar información útil o de razonamiento, tal cual como se muestra en el film (Foto 3). De acuerdo al coordinador de efectos especiales Ernest D. Farino, el HUD en este caso para la película The Terminator la renombró como Termovision (término que se utiliza en toda la franquicia).

-Dos secuencias inéditas que fueron descartadas del montaje final de la película: la primera de ellas, con la huida en primera persona de Kyle Reese en el callejón, se muestra solo en el trailer de Image Entertainment (Foto 4), pero al menos se puede ver también en el segundo spot de TV de The Terminator (Foto 5). La segunda secuencia, con la mirada del Terminator a la ciudad de Los Ángeles (Schwarzenegger), está presente en ambas versiones del trailer (Fotos 6 y 7).

Por último, hay que decir que esta misma versión del trailer, con una leve mejora del procesamiento de color, se lo puede ver en el comienzo del documental "The Making of The Terminator: A Retrospective" realizado por Carolco Home Video/Live Entertainment en 1992, cuya versión completa recién estuvo disponible como material extra en la primera edición en Blu-ray de The Terminator en el año 2006, editado por Sony Pictures Home Entertainment.

Federico

Commando Squad (1987) de Fred Olen Ray

A comienzos de 1987, el realizador Fred Olen Ray sin dudas se encontraba en su mejor momento, ya que había terminado un acuerdo por dos películas con la compañía CineTel Films de Paul Hertzberg y Lisa M. Hansen, realizando Armed Response (1986) y Cyclone (1987); En ese momento por la repercusión, la productora le acercó el proyecto de Bulletproof (conocida en Argentina como Blindado) que se filmó en 1987 con los protagónicos de Gary Busey, Darlanne Fluegel y Henry Silva estrenándose en algunos países ese año, aunque en Estados Unidos vio la luz recién en 1988. Si bien Olen Ray metió mano en el primer borrador de la historia, finalmente fue desplazado del proyecto en favor de B.J. Goldman y T.L. Lankford, con Steve Carver a cargo de la dirección. Cuando se estrenó Bulletproof solo quedó acreditado como productor asociado.

En ese momento, Fred Olen Ray fue contactado nuevamente por Trans World Entertainment, que si bien no terminaron bien las relaciones al finalizar la postproducción de The Tomb (1986), tanto Moshe Diamant como Eduard Sarlui quedaron muy sorprendidos por el éxito del film, que les había generado una gran cantidad de dinero en efectivo para la compañía productora y editora de video. En Trans World consideraron nuevamente a Olen Ray, y aprovechando que los de CineTel le compraron su contrato por Bulletproof, le ofrecieron un acuerdo para que realice dos títulos, uno fue hacer una secuela de Creature (William Malone, 1985) que finalmente se convirtió en Deep Space (1988), y el otro fue Commando Squad (1987), la película que nos atañe hoy. Commando Squad fue concebida como una película de acción de bajo presupuesto que pudiera aprovechar de alguna manera el éxito mundial que estaban teniendo las películas con explosiones y tiros muy en boga en esa década. De los dos proyectos ofrecidos, Commando Squad fue la primera que eligió el realizador para comenzar a filmar; el rodaje comenzó el 1 de agosto de 1986 en locaciones alejadas de la urbe en la ciudad de Los Ángeles, California.

El guion fue escrito por Michael D. Sonye, conocido por escribir la extravagancia contracultural de terror y comedia Blood Diner (1987); él ya había trabajado escribiendo para Olen Ray el guión de la película de fantasía y sci-fi Star Slammer (también conocida como Prison Ship de 1986). La película fue producida por Alan Amiel y coproducida por el propio Fred Olen Ray; Moshe Diamant y Yoram Pelman fueron los productores ejecutivos (aunque Diamant no fue acreditado), y Herb Linsey el productor asociado. La música del film fue compuesta por varias personas: Anthony "Tony" Riparetti, David A. Jackson, Steve LeGassick y James Saad. Kimberly Domínguez fue la montajista y los efectos especiales fueron realizados por Ron Petruccione, Kevin McCarthy y Sandra McCarthy, con tareas de maquillaje a cargo de Antoinette Ponzo. Por último, el director de fotografía fue el mencionado realizador Gary Graver (y donde Commando Squad fue la primera de varias colaboraciones creativas que hizo con Olen Ray). La película contó con un presupuesto de 750.000 dólares en total.

El elenco se compone de Brian Thompson (que venía de actuar en Cobra de 1986) interpretando al agente detective Clint Jensen, la ex-Playmate de la revista Playboy Kathy Shower como la agente Kat Withers, Robert Quarry haciendo del Jefe de policia Milo y William Smith como el agente traidor Morgan Denny; Los secuaces de Denny se componen de Ross Hagen como Cowboy, Russ Tamblyn hace de Anchor y Sid Haig que interpreta a Iggy. Completan el reparto destacado Mel Welles como el alcalde Quintano, Marie Windsor (una de las reinas del cine B de los años 40) interpretando a Casey (siendo esta su última aparición cinematográfica) y Tane McClure haciendo de la agente Sunny; Hay también cameos sin acreditar de la actriz Michelle Bauer, el guionista Michael Sonye y el director Fred Olen Ray. Dawn Wildsmith, por entonces esposa del director, tiene un pequeño papel como una camarera temperamental llamada Consuela. Commando Squad mantiene durante la película momentos narrativos en off por parte de la agente Kat Wither en primera persona comentando sus impresiones y lo que va sucediendo, manteniendo un estilo neo-noir similar a la mencionada Armed Response.

Resumen argumental

En la ciudad de Los Ángeles, la agente Kat Withers (caracterizada como una prostituta y con una peluca de color negro), se encuentra de incógnito para observar un intercambio de droga que transcurre en un callejón; tras balearse con los traficantes y acabar con ellos, la detective logra desbaratar la operación. Esa misma noche luego del hecho, su jefe Milo la pone al corriente que ha enviado otros agentes encubiertos de la división de narcóticos a México para tratar de desarticular una fábrica con producción local de cocaína que tiene fuerte desarrollo y envío a los Estados Unidos; Además le comenta que ya ha perdido 5 agentes en dos meses, incluyendo al agente Morgan Denny, y es por eso que le pide que vaya a ese país y le traiga novedades de lo que está sucediendo, debido a que de los 3 agentes que todavía están ahí no se han reportado en varios días con excepción de uno llamado Conrad. Kat a todo esto le responde que ya tiene preparado su pasaje para irse de vacaciones a Hawaii, ya que le tocaban ahora. Milo la convence porque uno de los agentes que no se ha reportado en cuatro días es Clint Jensen, el que era su compañero y por el que siente algo especial; entonces ella acepta la misión.

Mientras tanto en México, el traficante Iggy y un par de hombres se disponen a realizar un intercambio de droga por dinero con Jensen y Sunny en una lancha, pero Iggy les informa que ya sabe que son agentes y amenaza con matarlos; Jensen y Sunny hacen una distracción y logran escapar usando el auto de Iggy, pero son perseguidos por un helicóptero que termina arrojándoles granadas hasta que el auto vuelca. Jensen aprovecha un lanzacohetes que estaba en el auto y logra derribar el helicóptero, pero lamentablemente su compañera Sunny está muerta. El agente finalmente llama a su jefe Milo en Los ángeles y le comunica a de las novedades, advirtiéndole de que existe un soplón que avisa de todo a los traficantes.

Al día siguiente Kat ingresa a un local de venta de libros y posters atendido por su amiga Casey (donde se aprecian poster de films de Trans World incluyendo The Tomb), la lleva al depósito y le provee de armamento y municiones para su nueva misión. En ese instante, en el campamento donde se produce la cocaína, un Clint Jensen sentado y atado se entera de la cruel verdad: el agente Morgan Denny es el encargado de todo el lugar, de mantener a raya al alcalde Quintano pidiéndole mujeres de su pueblo, que está cerca del lugar, para satisfacer a los hombres del campamento y producir la droga.

Mientras llega la agente Kat Withers (vestida de negro y con la misma peluca negra), Jensen intentará buscar la manera de escapar de su confinamiento y acabar con todos pero solo no podrá hacerlo, es por eso que Kat primero se enfrentará a personas que intentarán matarla y detener su misión, luego buscar la manera de infiltrarse en el campamento y así poder encontrar a su compañero y liberarlo. Juntos y armados tendrán que destruir la producción de droga y matar a todos los traficantes.

Apreciaciones generales

Commando Squad se estrenó en varios cines de la ciudad de New York el 5 de junio de 1987 y en la ciudad de Los Ángeles el día 12 de junio; en este último caso justo una semana después del estreno de Cyclone en las carteleras. Lo que hizo Trans World, particularmente en L.A., fue aprovechar y hacer una doble función con Catch the Heat (Joel Silberg, 1987) que se filmó en nuestro país. El propio Fred Olen Ray comentó en una entrevista que mientras Catch the Heat fue retirada de las salas tras una semana de exhibición, su película se mantuvo durante un total de ocho semanas, lo que para él fue un gran logro para esa ciudad poco afecto a este tipo de cine.

Durante la década del noventa, Fred Olen Ray comenzó a manifestar que en su momento Commando Squad había sido el punto bajo de su carrera y que lo había hecho solo por el dinero odiándola, pero que posteriormente haciendo una retrospectiva sobre su filmografía, consideraba que ahora la película no estaba para nada mal.

En Argentina fue editada por el sello Video Scope directamente al mercado del video con el título Escuadrón salvaje; la imagen que se utiliza en la portada es la misma que la del poster norteamericano y se destacan los nombres de Thompson, Shower, Smith y Sid Haig en la tapa junto con la del director. En internet se la pude ver online en páginas como You Tube, en inglés sin subtítulos; Hasta el momento, Commando Squad no ha sido restaurada ni digitalizada para ser editada en blu-ray o dvd.

Federico