Midnight Movie Massacre (1989) de Mark Stock

La idea concebida sobre este film fue originalmente hacer un remake de la serie de televisión Space Patrol (1950 - 1955) creada por Mike Moser para la cadena ABC; el proyecto fue desarrollado por Wade Williams, un ávido coleccionista de películas clásicas de ciencia ficción que estaba haciendo una enorme tarea de preservación de este género cinematográfico, además de tener los derechos de muchos de estos films sin mucho éxito de distribución. En 1984 Williams adquirió los derechos de dos series televisivas de ciencia ficción de culto: la mencionada Space Patrol y Tom Corbett: Space Cadet, siendo en el caso del primero los derechos comprados a los propios descendientes de Moser.

Desde el año anterior Wade Williams era copropietario de la exitosa sala de cine The Fine Arts Theatre en la ciudad de Mission, del Estado de Kansas, junto con los hermanos Ben y Brian Mossman; Teniendo los derechos asegurados y con los Mossman a bordo también en el proyecto como financistas, se decidió realizar una adaptación cinematográfica de la popular serie. Williams manifestó en los ochenta su interés de intentar hacer su propio título emulando el viejo estilo de la ciencia ficción de los cincuenta, algo que ya había llevado adelante en 1969 con Terror From The Stars (una película que nunca fue lanzada y que todavía permanece inédita al día de hoy).

En ese momento se comenzó el primer borrador del guion a cargo de dos jóvenes casi sin experiencia en el mundo del cine: Laurence "Larry" Jacobs y Mark Stock; posteriormente además de Jacobs, Stock y hasta del propio Williams colaborando en el desarrollo del guion, fue reescrito por John Chadwell, David Houston y Roger Branit hasta lograr la versión final; En los títulos finales de cierre se le otorgó crédito a Mike Moser, ya que mucha de la trama del film estaba basada y copiada de su creación.

No se puede dejar de mencionar que el espíritu de esta película de ciencia ficción incluye un homenaje en estilo a los viejos seriales de la compañía Republic Pictures de fines de los 30 y 40, siendo la trama edulcorada con toques de comedia propios de esa época. Wade Williams se encargó de oficiar como productor, Mark Stock dirigió las secuencias dentro del cine y Larry Jacobs tuvo la tarea de la dirección del capítulo de Space Patrol (aunque en los créditos principales de Midnight Movie Massacre solo figura Stock). Otras personas del equipo técnico fueron Aaron Wilson siendo el productor ejecutivo, el score musical fue compuesto por Bill Crain, David Dart fue el director de fotografía de las secuencias en el cine, mientras que Nicholas Josef von Sternberg tuvo igual rol pero en el capítulo de la serie; Kenneth Wheatley tuvo a su cargo la construcción del monstruo y los efectos especiales, mientras que David Merriman y Ellie Merriman tuvieron la tarea de fabricar los cohetes espaciales. Por último, Mel Cohen se encargó de los diseños de los uniformes y del equipo espacial.

El elenco destacable se compone de Ann Robinson y Robert Clarke interpretando a la Doctora Sylvia Van Buren y al Coronel Carlyle respectivamente; ambos actores teniendo experiencia en trabajar en films de ciencia ficción de la década del 50, y que Wade Williams ya tenía en mente trabajar con ellos en alguna oportunidad. El resto de los actores y actrices principales del numeroso elenco se compone de Margie Robbins, David Staffer, Mary Stevens, Tom Hutsler, Duke Howze, Lori Davis, Andrew Goodman, Kevin Brief, Susan Murphy, Stuart Allen, Charity Case, David Lee Kious, Vince Cabrera y Tamara Sue Hill, entre otros.

La película fue rodada en el año 1984, donde la mayor parte se filmó dentro del Film Works Studio, en la ciudad de Kansas City, Missouri; Desde un principio la producción fue problemática, con muchos inconvenientes sobre cómo llevar adelante el guion (escrito por muchas personas) y la dificultad sobre como plasmarlo en una historia que resultara coherente. Finalmente tuvo que ser re-trabajado como una comedia negra sobre un alienígena que va matando a los espectadores de una sala de cine, mientras en la pantalla transcurre una historia paralela con varias imágenes recreadas de Space Patrol, ya que era la serie que según la historia se estaba exhibiendo). La post producción concluyó para el año 1986 y no se preparó su lanzamiento sino hasta 1988.

El film fue realizado por Wade Williams Productions y solo tuvo un limitado estreno en Italia dentro de la Mostra internazionale del film di fantascienza e del fantastico (evento importante de la ciencia ficción conocido como el Fantafestival) el día 9 de junio de 1989 y también en el Festival Internacional de Cine en Cannes, Francia. Posteriormente en Estados Unidos solo encontró su mercado dentro del mundo del videoalquiler, donde la empresa VCI Home Video la editó bajo el título Attack from Mars; En cable, dentro de USA, se fue constituyendo el nicho de culto entre su público, ya que se la emitía con bastante regularidad bajo el nombre original, y más conocido, de Midnight Movie Massacre. Como dato curioso, en Francia la película se la estrenó con el nombre The Blob n°2: Le retour du monstre, haciéndola pasar como una secuela de The Blob, la remake de 1987 co-escrita y dirigida por Chuck Russell basada en el titulo de igual nombre de 1958.

Resumen argumental

En 1956, dentro de un área cerrada al público en Nuevo México por el Departamento de Artillería del Ejército de los Estados Unidos, unos científicos realizan una prueba de lanzamiento de un cohete espacial con la misión de conquistar el espacio. Marte es un planeta que llama la atención de la comunidad científica por sus misterios; incapaz de albergar vida humana, el planeta rojo en su superficie está habitado por seres malvados con una inteligencia superior, que se han estado ocultando de nosotros; hasta que un día, un cohete sale del planeta con destino a la tierra. Mientras tanto, en el Granada Theater, de a poco va llegando la gente a comprar los boletos, ya que esta noche acontecerá un importante evento dentro de este epicentro: el estreno de un nuevo capítulo de "Space Patrol". Un par de jóvenes nerds en la recepción se entusiasman con la ilustración del poster de la próxima película que se va a estrenar, Sweater Girls from Mars, ya que el cine promete la presencia de su protagonista.

El proyectorista ya tiene los rollos listos y la función principal va a comenzar, pero antes la pantalla se inicia con trailers de lo que se viene, mientras van llegando las personas con sus distintas características y particularidades. Finalmente se inicia el serial pero de la "Republik" (en tono parodia) de Space Patrol: Guardians of the Universe a color, con los protagónicos del Coronel Carlyle, la Doctora Sylvia Van Buren, el Comandante Corry, el cadete Happy Mead, Carol, el Doctor Bacarratti y el joven Sonny Wilson. El capítulo titulado "Back from the Future" es una parodia al film Volver al futuro de 1985, donde incluso la letra que figura en pantalla es exactamente la misma. Mientras se va desarrollando la trama del serial, al público presente le van pasando situaciones estereotipadas dentro de un cine (una mujer que no deja de estornudar, el muchacho que toma alcohol y le pone un poco en la coca de su chica, una pareja que tras hacer una compra excesiva de dulces y pochoclos no paran de comer, los jóvenes rebeldes que molestan haciendo ruido y se fijan en las mujeres lindas para aprovecharse, etc.).

En ese momento, la nave marciana llega a la tierra y se detiene justo en el techo del Granada Theater, allí baja un misterioso monstruo que ingresa al cine por la puerta principal, mientras va matando a todo aquel que se cruza en su camino. El capítulo en la pantalla grande va mostrando la llegada a la tierra de 3 integrantes del Space Patrol en un platillo volador desde Marte, y se dará el curioso paralelismo con lo que está ocurriendo dentro del cine: mientras los espectadores miran con interés a los seres espaciales haciendo contacto con los humanos y como se enfrentan, con ayuda de Sonny Wilson, a los terribles planes del Doctor Bacarratti y su asistente, el extraño y horripilante monstruo sigue sembrando el terror y buscará hacer su último acto final con sus víctimas en las butacas.

Apreciaciones generales

Midnight Movie Massacre no fue editada en video en Argentina, así como también es un título muy poco conocido internacionalmente, ya que tuvo muy poca difusión dentro de los Estados Unidos. De todas maneras para los interesados se la puede ver online a través de You Tube, aunque en inglés sin subtítulos en español. En USA fue editada en DVD (digitalizada en formato fullscreen) por la editora y distribuidora Image Entertaiment en el año 2001. La empresa adquirió la licencia de los derechos para video hogareño a través de la compañía Corinth Films, conocida por estrenar en los cines norteamericanos el film Eraserhead de David Lynch a fines de los 70, entre otros clásicos. La edición en DVD fue parte de una selección de películas titulada "The Wade Williams Collection", aunque por pedido del propio Williams el film nuevamente fue presentado en la carátula bajo su título alternativo, y aparentemente definitivo, de Attack from Mars.

En Argentina fue editada por el sello Pirámide (antiguamente la editora París Video Home) con el título Trasnoche de terror.

Federico

Crossbone Territory (1985) de Danny Cabreira

Película realizada en Filipinas con el objetivo primordial de ser vendida en el exterior, principalmente en el difícil mercado de los Estados Unidos. La compañía filipina JPM Productions, comandada por Teresita “Tessie” G. Monteverde, era conocida por realizar películas bélicas, acción y drama de bajo presupuesto para exportar en el mercado internacional; Tessie desde hacía mucho tiempo se estaba haciendo paso en el difícil mundo de la cinematografía y distanciándose de su madre, Lily Yu Monteverde (conocida en la industria de su país como Mother Lily y dueña de la poderosa y antigua productora fílmica Regal Entertainment, Inc.).

El proyecto de Crossbone Territory se inició en 1983 con el bosquejo de la historia a cargo de Rodolfo “Bugsy” Dabao Jr., quién venia de ser el productor y coguionista del film Intrusion: Cambodia dirigido por Jim Goldman ese mismo año; El actor Daniel Patrick Nicholson (que en ese momento estaba dando sus primeros pasos en el cine de Filipinas con el seudónimo de Nick Nichols, ya que se había quedado a vivir allí) trabajó en un primer borrador del guion de la película, pero muchas de sus ideas fueron descartadas en la reescritura por ser consideradas muy malas.

Finalmente es cuando se suman al proyecto los también actores Don Gordon Bell (seudónimo artístico de Jun Yong Soo) y el neerlandés Paul Vance, quiénes completaron en tres semanas el guion definitivo, que era muy sólido y con mucho realismo, todo bajo supervisión del propio Bugsy Dabao. Esto fue posible gracias a la experiencia de Gordon Bell, ya que en la vida real sirvió como infante de marina estadounidense en la Guerra de Vietnam hasta que luego se quedó a vivir en la ciudad de Manila, tras formar parte principal en el equipo técnico de la película Apocalypse Now dirigida por Francis Ford Coppola, cuyo rodaje comenzó en el país en 1975. Tanto Don Gordon Bell como Paul Vance se aseguraron formar parte de esta película al interpretar papeles protagónicos en el film, como el Sargento Evans y el Sargento Smitty respectivamente.

Completan el reparto principal  Michael James como el líder, el Capitán John Gabriel; Willie “Willy” Williams (un verdadero ex- oficial de la Armada en la vida real) que hace del Sargento Washington, Rex Lapid es el Jefe Y. Bang, Peter Barker como el Teniente Johnson, Gabby Ferro hace del Sargento Mallory, Michael Kruze  es el Teniente Epstein y Philip Gamboa interpreta a un Coronel del Ejército Norvietnamita; Entre los secundarios se destacaban Den Montero como un Mayor del ejército del Viet Cong, Totoy García interpretando al Gran Sacerdote de la tribu, Brent Muller haciendo de un piloto del helicóptero, Mike Neylan interpretando a un prisionero de guerra y Glenda Araneta como la esposa del Capitán Gabriel. Hubo también el caso de dos actores que los hicieron pasar como auténticos militares del Ejército de los Estados Unidos en la producción y créditos del film: el “Coronel (Retirado)” Mike Cohen interpretando al Brigadier General Brown y al “Teniente Coronel (Retirado)” Gerald McCoy como el Sargento Mayor “Top” McCoy.

El director Danilo P. Cabreira, experimentado realizador que comenzó su carrera a comienzos de los setenta en la industria cinematográfica de su país, fue la persona escogida por Teresita Monteverde para dirigir esta película (aunque fue acreditado como Danny Cabreira para darle un aspecto más “norteamericano” al film). El resto del equipo técnico se compuso de la propia Tessie como productora ejecutiva, su hermana Jovita P. Monteverde como productora general, Vic Anao a cargo de la dirección de fotografía, José “Joe” Solo como editor y Lutgardo Abad componiendo el score musical. Por último los efectos especiales fueron realizados por Apolonio Abadeza y Cecille Baun (la “Madrina del Gore” en Filipinas).

Las filmaciones se realizaron en 1983 durante siete semanas, mayormente en diversos sectores de las junglas filipinas; posteriormente el propio actor Don Gordon Bell ayudó al director Cabreira a armar el primer montaje de la película. Crossbone Territory finalmente se estrenó alrededor de 1985 en los cines de su país, pero internacionalmente recién vio la luz dos años después, en 1987.

Resumen argumental

La historia comienza en el momento álgido de la Guerra de Vietnam: en 1968 la crisis continúa con el enfrentamiento entre los dos bandos: el Viet Cong y las Fuerzas especiales de los Estados Unidos. La batalla se producirá en la conocida “Ruta Ho Chi Minh”, que está compuesta por un conjunto de senderos y caminos de 16.000 km de longitud total que atraviesa Vietnam del Norte hasta distintos puntos de Vietnam del Sur, pasando por los países vecinos de Laos y Camboya. Esta ruta se inicia en Hanói, la capital de Vietnam del Norte, y se utiliza para enviar suministros a sus fuerzas en la parte Sur y a la guerrilla del Viet Cong durante la guerra. En este escenario los militares superiores planean llevar a cabo una suicida misión transfronteriza, dirigida por el Capitán John Gabriel con sus experimentados hombres para que se infiltren en Laos, que se encuentra lleno de guerrilleros del Viet Cong, y así poder destruir un radar ubicado dentro de una estación y rescatar también a los prisioneros de guerra; El plan no solo es cumplir con la misión de destruir la instalación, sino la posterior larga marcha de regreso al campamento base, donde conviven con una tribu local que, pese a algunas diferencias, los apoya gracias al Gran Sacerdote, siendo la máxima autoridad que les permite quedarse y los provee de alimentos. Es entonces que en el camino de la Ruta Ho Chi Minh se deberán sortear innumerables emboscadas y trampas de bambú, dentro de la inhóspita jungla vietnamita, mientras el grupo de las Fuerzas especiales son perseguidos por un tenaz Coronel del Ejército Norvietnamita y su batallón, que planea destruir el campamento base en una contraofensiva final.

Apreciaciones generales

En Estados Unidos Crossbone Territory es una película que ni siquiera se editó directo a video, ni tampoco tuvo exhibición en los cines. A partir de marzo de 1987 se fue estrenando en varios países europeos y asiáticos, mientras que en el caso de Argentina fue editada en VHS por el sello American Home Video bajo el título de Eliminator a fines de los 80.

Los involucrados en el film dedicaron el proyecto a todas las personas que sirvieron en Vietnam, especialmente a Randall Harold "The Duke" Cunningham, uno de los pilotos más condecorados de la Marina de los EE.UU. por su destacada performance en la Guerra de Vietnam, ya que fue un As de la aviación durante el conflicto bélico.

Crossbone Territory está disponible online en You Tube, aunque en inglés sin subtítulos en español; Al día de hoy la película no se encuentra restaurada ni tiene ediciones en DVD y Blu-ray. Para finalizar, agradezco al experto investigador en cine filipino, escritor, músico y realizador australiano Andrew Leavold, ya que he utilizado valiosa información de su blog para poder completar este posteo.

Federico

Café Flesh (1982) de Rinse Dream (Stephen Sayadian)

Proyecto muy interesante e importante dentro del mundo del cine para adultos surgido en los ochenta, una película con temática de ciencia ficción post-apocalíptica, innovadora, satírica y con una estética por fuera de lo inusual en aquél tiempo que la convierte en una de las mejores en su género. Café Flesh fue la segunda colaboración entre el director artístico y diseñador de producción Stephen Sayadian junto al periodista, escritor y guionista Jerry Stahl; ambos venían de estrenar Nightdreams, un film pornográfico con elementos de terror de 1981, que recibió elogiosas críticas por parte de la prensa especializada, destacándola como la más innovadora y única en su tipo en ese año y estableciendo la creación de un subgénero nuevo: las películas porno avant-garde. Sayadian y Stahl, viendo la excelente repercusión que tuvo ese film en las funciones de medianoche, con un público ávido por verla y generando un suceso de taquilla dentro de ese mercado, se pusieron manos a la obra para preparar otro nuevo proyecto.

Al igual que en Nightdreams, la productora Carribbean Films volvió a ser parte, pero en esta oportunidad los derechos de distribución cinematográfica y de video hogareño fueron conseguidos por la compañía VCA Pictures. El score musical fue compuesto y producido por el realizador musical Mitchell Froom, Jerry Stahl co-escribió la historia nuevamente bajo el seudónimo Herbert W. Day, mientras que Stephen Sayadian se encargó de toda la puesta en escena, vestuario, aportar además sus ideas en el guion como co-escritor y en la dirección general con su habitual seudónimo Rinse Dream. Mark S. Esposito, que en la película aparece en los créditos como asesor creativo dirigió también algunas escenas pero no fue acreditado por esta labor. La directora de fotografía y coproductora fue Francis Delia, colaboradora de muchos años de Stephen Sayadian, utilizando su seudónimo F.X. Pope tal como en el anterior film.

Tanto Sayadian como Stahl originalmente concibieron la película teniendo en mente filmarla para que obtuviera una calificación R (donde menores de 17 años requieren el acompañamiento de un adulto), cuyas escenas de performance eran bastante atenuadas; Después de que el director montara la versión "R" del film, se vio obligado a incorporar en los actos de cabaret escenas hardcore por pedido expreso de sus financistas. Stephen Sayadian recordó en una entrevista que había conseguido financiación de tres hombres, dos de ellos eran productores de cine hardcore y uno era un graduado de negocios de Harvard, que de alguna manera se quedó maravillado del mundo porno. Esto obligó a que el realizador, después de terminar la fotografía principal de la película, tuviera que volver a rodar varias escenas hardcore con artistas pornográficos. En ese momento tuvo que regresar con el compositor Froom para explicarle que ahora tenía que ampliar algunas de las piezas musicales porque se habían extendido con el contenido porno; Para eso le pidió como requisito que la música no fuera sexy sino lo más perturbadora posible, algo que Mitchell Froom terminó aceptando y se puso a trabajar en eso, volviendo sus composiciones más oscuras y extrañas, extendiéndolas todas por un par de minutos todavía sin ver el corte final. Según comentó Jerry Stahl en una entrevista, la idea que se les ocurrió fue escribir las escenas desde un nuevo enfoque de sexo explícito, repulsivo, antisexual y antiestimulante, diseñadas con el fin de evitar que los hombres tengan una erección.

Entre el elenco principal se destacan Michelle Bauer interpretando a Lana; Bauer era conocida por ser la mascota del mes de julio 1981 de la revista Penthouse y gracias a Sayadian comenzó a dar sus primeros pasos en la industria cinematográfica bajo el nombre artístico de Pia Snow. La actriz recordó en posteriores entrevistas que estaba feliz de aparecer en esta película, así como en otras producciones de clasificación XXX, pero insistió que para las escenas de sexo todas fueron realizadas por una doble; Posteriormente Michelle Bauer haría una prolífica carrera como actriz en diversas producciones clase B.

Completan el reparto de los protagónicos Andrew "Andy" Nichols haciendo de Max Melodramatic, Paul McGibboney como Nick, Marie Sharp hace de Angel, Tantala Ray (acreditada en el film como Darcy Nychols) interpretando a Moms y Kevin "Jay" James como el excéntrico Johnny Rico. Tanto Bauer como Nichols venían de tener roles en la mencionada Nightdreams. Casi todos los actores y actrices fueron acreditados con nombres de fantasía, puesto que en esa época existía el prejuicio de trabajar y ser parte de una película XXX al utilizar los nombres reales; los seudónimos de la película cumplieron como propósito importante evitar la Brigada antivicio de la Policía de Los Angeles, ya que el estado de California todavía clasifica el rodaje de pornografía como un delito grave. El equipo técnico corría el riesgo de ser acusado de proxenetismo o prostitución, a pesar de ser legal explotar ese trabajo en las salas de cines. Al respecto, Stahl señaló que el porno era solo criminalizado para las personas que no tenían suficiente dinero para pagarle a los policías.

El presupuesto dela película, cuya duración es de unos 74 minutos, fue de 100.000 dólares en total; más que lo que costó realizar Nightdreams el año anterior. El lanzamiento inicial de Café Flesh como una película hardcore fracasó en taquilla cuando se estrenó en el Pussycat Theatre, el denominado palacio porno en Hollywood, tras una semana en cartelera; Para Jerry Stahl, el film era considerado demasiado alienante y varios espectadores se retiraban exigiendo su dinero de vuelta. Café Flesh fue redescubierta más tarde como una película de culto en el circuito de películas de medianoche, rompiendo el récord de espectadores en el Teatro Nuart de Los Angeles reemplazando a Pink Flamingos (1972) y Eraserhead (1977), que eran los favoritos de la audiencia.

La gran popularidad de Café Flesh fue gracias a la subcultura punk de Los Angeles debido a la proximidad de Stephen Sayadian a esa escena urbana; Además de buscar extras en una clínica de metadona cercana y en un banco de sangre, Sayadian descubrió gente talentosa en clubes nocturnos de Hollywood como Cathay de Grande y el Club Lingerie, así como en el local nocturno de comida rápida Oki-Dog, muy popular entre los punks locales de la ciudad. Incluso el director llegó a decir sobre la película que la mitad de Los Angeles trabajó en ella y todos vinieron a verla, porque los extras trajeron a sus amigos ya que todos aparecían en el film. Su status de culto no solo quedó limitado dentro del mercado pornográfico en particular, sino también dentro de la cinematografía en general.

Resumen argumental

La historia nos sitúa en un futuro postapocalíptico donde, tras una guerra nuclear, el 99% de los sobrevivientes se volvieron negativos sexuales: estos son personas que si intentan tener relaciones sexuales se enferman gravemente. El 1 por ciento restante son las afortunadas minorías sexuales positivas que pueden tener sexo, amar y salir indemnes; Ellos se ven obligados por el gobierno a participar, con un formato de teatro carnal, a realizar diversas puestas en escena que terminen con sexo en vivo. Todo esto ejecutado dentro de un escenario para el entretenimiento de los negativos en un lugar denominado Café Flesh, uno de los clubes nocturnos más importantes. La mayoría inactiva solo se resigna a su cruel destino de apelar al voyeurismo y contemplar a las parejas que tienen sexo en público, que son presentados por Max Melodramatic: un maestro de ceremonia que con sus chistes y provocaciones intenta generar interés en el público, ávido de sexo pero que está impedido de hacerlo y extrañando los "viejos días".

Nick y Lana son una pareja habitué del club, y junto a otras personas una noche reciben a Angel, una chica que acaba de llegar a la ciudad y que se muestra muy interesada en los espectáculos. Para Nick, a medida que pasa el tiempo, la rutina de ir al Café Flesh se le vuelve insoportable y se debate entre la frustración permanente de no poder tener sexo con Lana, mientras que por el lado de su pareja ella no acepta estar condenada a esta situación, optando por ir al club más seguido y alejándose cada vez más el uno del otro. La historia dará un giro cuando una noche finalmente hace su llegada triunfal el famoso Johnny Rico al club Café Flesh, un Sexo Positivo de las más famosas y destacadas dentro del circuito de personas positivas. Tras el espectáculo de Rico con Angel, Lana a partir de ese momento empezará a cuestionar su negatividad sintiéndose atraída de formar parte ella también del Café Flesh, y de realizar una performance ante la atenta mirada pasiva de Nick...

Datos generales

Café Flesh ganó en 1984 el premio AVN (los llamados "Oscars del Porno") por Mejor dirección artística, premio otorgado por la revista especializada Adult Video News que reconoce los logros en la creación y comercialización de las películas pornográficas en los Estados Unidos. Posteriormente en 1993, la película fue incluida en el Salón de la Fama de la X-Rated Critics Organization (XRCO); Por su parte Stephen Sayadian fue galardonado como cineasta en 2007 dentro del Salón de la Fama de XRCO, mientras que en 2017 fue incluido en la categoría de Director dentro del Salón de la Fama de la AVN.

En Argentina Café Flesh fue estrenada en salas de cine condicionado por la empresa Hardcore Distribuidora S.R.L. durante 1985, posteriormente la editó en formato VHS con su división Hardcore Video bajo el título de Orgasmos Insaciables en junio de 1986. Más cerca en el tiempo, el día jueves 28 de enero del 2016, Café Flesh se exhibió en el MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) dentro de sus proyecciones nocturnas de películas; Para esa oportunidad, el coleccionista Julio Martínez pudo localizar el negativo original que se usó para su estreno en el país, de ese negativo se obtuvo una copia nueva en fílmico de 35 Milímetros para su exhibición.

El 22 de agosto pasado se anunció por redes sociales que Café Flesh se encontraba en un proceso de restauración y remasterización a cargo del realizador Daniel Bird para una compañía editora de Blu-ray; Se espera que el negativo encontrado reciba un proceso de restauración digital en 4K, así como también que sea editada además en el formato 4K Ultra HD. Si bien el nombre de la compañía no ha salido a la luz se especula que se trate de Peekarama, uno de los sub sellos de Vinegar Syndrome; aunque los ojos están puestos también en la editora Mondo Macabro, ya que una película posterior de Stephen Sayadian, Dr. Caligari de 1989, será lanzada el próximo lunes 31 de octubre como parte de las ventas del día de Halloween en los formatos 4K UHD y Blu-ray.

-Contratapa del Café Flesh Original Motion Picture Soundtrack de Mitchell Froom lanzado por  la discográfica Fun City Editions en 2021. Originalmente Froom lanzó la música en 1984 en su álbum The Key Of Cool editado por Slash Records, contando con un arte de tapa y diseño del propio Stephen Sayadian y con fotos hechas por la compañera creativa de Sayadian y directora de fotografía del film, Francis Delia (F.X. Pope).

-Edición argentina de Café Flesh en formato caja grande editada por Hardcore Video.

Federico

Chuck Norris vs. Communism (2015) dirigida por Ilinca Călugăreanu

Excelente documental rumano-británico que se constituye como un canto de amor al formato de video VHS, donde paralelamente nos retrata la opresión asfixiante que se vivía en la Rumania comunista y los últimos años de este sistema político, lo que desembocó en la caída del régimen de Nicolae Ceaușescu a fines de 1989.

Originalmente la realizadora novel rumana, radicada en Inglaterra, Ilinca Călugăreanu elaboró un cortometraje de 7 minutos titulado "VHS vs. Communism" en el año 2014, que fue subido en la página web del diario New York Times el día lunes 17 de febrero; la idea fue hacer una presentación de cómo llego el video al país y desató un gran interés entre la población por disfrutar, de manera clandestina e ilegal, el cine proveniente del otro lado de la “cortina de hierro” dobladas al rumano por una importante funcionaria y traductora oficial de inglés, que trabajaba en la televisión estatal del país llamada Irina Margareta Nistor. El material tuvo bastante repercusión por lo que inmediatamente se anunció que a futuro se iba a desarrollar un largometraje documental.

Las productoras interesadas en llevar adelante este proyecto fueron HBO România, Vernon Films, Passion Pictures, Impact Partners, RatPac Documentary Films, 4 Proof Film, Openvizor, el canal franco-germano ARTE y el canal público alemán WDR, contando con un presupuesto estimado de unos 850.000 dólares. Ilinca Călugăreanu escribió el guion retratando los hechos reales y sus protagonistas para que sean interpretados por actores y actrices locales en el país de Europa del este, como es el caso de Ana Maria Moldovan que personifica a Irina Nistor; aunque al final del documental aparece la verdadera Irina Nistor dando testimonio, al igual que el real Teodor Zamfir, el hombre que traficaba las cintas vírgenes grabadas con películas que llegaban desde Hungría y las vendía por todo el país, además de Mircea Cojocaru, la segunda persona que contrató Zamfir para doblar las películas y que era un hombre que trabajaba para las altas esferas de poder de los servicios de inteligencia del país.

La música fue compuesta por Rob Manning y Anne Nikitin, la dirección de fotografía corrió a cargo de José Ruiz y la edición del film fue realizado por la propia Calugareanu junto a Per K. Kirkegaard

Chuck Norris vs. Communism se estrenó el viernes 23 de enero del 2015 en el Festival de cine de Sundance en Estados Unidos; luego le siguieron otras presentaciones: el 25 de abril en el Hot Docs International Documentary Festival en Canadá, el 21 de mayo en el Seattle International Film Festival, el 16 de junio en el Festival de cine de Los Angeles y el 24 del mismo mes en el Edinburgh International Film Festival en el Reino Unido, entre otros.

Resumen argumental

En la Rumania comunista durante la década del 80 los niveles de opresión se estaban volviendo insoportables, con una crisis económica y social que generaba hambre en el pueblo; desde 1965 cuando asumió Nicolae Ceaușescu el poder del gobierno central, el país estuvo bajo el control de una despiadada dictadura haciendo culto a su persona y un estricto régimen de control por parte de las autoridades del régimen comunista de lo que se podía ver y lo que no. En eso jugaba un papel central el canal público Televiziunea Română (TVR) que, además de ser el aparato de propaganda comunista, ejercía todo tipo de censura sobre los contenidos que los rumanos y rumanas podían ver. Adentro del comité encargado de “filtrar” aquellos contenidos no aptos por la visión de Ceaușescu se encontraba Irina Nistor, la traductora de películas del canal.

En 1985 Nistor pronto recibe la propuesta de Teodor Zamfir, un empresario que decide incursionar en la venta de películas grabadas en vhs dentro de Rumania, y que sabe de sus conocimientos como traductora de inglés para que lo ayude a doblar las películas. Al principio no se muestra convencida, pero cuando finalmente acepta hacerlo, su nuevo lugar de trabajo será el sótano de la casa de Zamfir, durante la noche hasta altas horas de la madrugada. Al no existir máquinas generadoras del subtitulado electrónico en el país, la tarea de Irina era sentarse frente a un televisor conectado a un videocasetera, y que a su vez estaba conectado a un magnetófono con un micrófono, para que ella hablara sobre las voces en inglés, quedando como una suerte de “voice-over” aunque ella con una sola voz doblara a todos los actores y actrices de cada película; Con el tiempo a esta forma particular de doblaje se la denominó como “Doblaje Gavrilov” dentro de Rusia y en la mayoría de los países de Europa del este. Posteriormente se realizaba un rápido proceso donde el propio Zamfir se encargaba de multicopiar ese cassette con cientos de grabadoras de vhs (que a medida que el negocio fue prosperando fue adquiriendo mayores cantidades de máquinas) y así poder vendérselas a aquellos afortunados rumanos, que juntaron el suficiente dinero para comprar una de las carísimas videocaseteras que se adquirían en el mercado negro, al igual que los televisores y otros productos importados.

Prontamente, las familias rumanas que contaban con una videocasetera pasaron a ser los difusores de un cine nunca antes visto en el país, de todos los géneros y todas las épocas, invitando a los vecinos y vecinas del barrio para mirar hasta 4 o 5 películas por noche; esa movida empezó a generar cierto recelo entre los fieles al régimen y las denuncias anónimas empezaron a caer, con la policía y los agentes incautando las videos y los vhs grabados. Es en este contexto donde la propia Irina Nistor se siente observada y vigilada; la casa de Zamfir pronto estará en la mira de los agentes de inteligencia y de las autoridades, pero a la protagonista la moviliza un fuerte deseo de seguir doblando cada vez más y más películas, ya que el cine de occidente es un ventana de escape, una muestra de otras culturas, de la moda, de la música, de cómo se vive en otros lugares del mundo ante tanta opresión y cercenamiento de libertades. El cine en video como una herramienta subversiva que terminará generando un cambio importantísimo en la vida de miles de personas de todo un país y el enorme poder para poder abrir la cortina de hierro.

Apreciaciones generales

Debo decir que ver este documental, que contiene momentos de ficción, me resultó excelente y muy movilizante, principalmente me parece el mejor homenaje que se le podía hacer al formato hogareño más preponderante para el cine como lo fue el VHS; Además se van intercalando testimonios de rumanos y rumanas que cuentan lo emocionante que era mirar cada noche una película prohibida (de Hollywood o de una productora independiente) y como la voz de Irina Nistor fue sinónimo durante décadas del doblaje en el país. La tan llamada “magia del cine” en cintas de VHS, con copias dobladas de películas occidentales, se fueron convirtiendo en un rayo de esperanza, que inspiró a cambiar las vidas del pueblo rumano, que luchaba bajo sus restricciones políticas. Quizás lo más llamativo del documental en si sea el de la propia vida de la protagonista, de cómo las altas esferas del poder con las que se rodeaba, en el fondo sabían que era ella la voz que doblaba la gran mayoría de esas películas, pero que más allá de alguna llamada de atención de algún funcionario, su vida nunca corrió peligro, generando una cierta “convivencia” con ese tipo de negocios ilegal y clandestino, que llevaba adelante Teodor Zamfir y que generaba muchísimo dinero.

En suma, Chuck Norris vs. Communism merece un visionado obligado para todos y todas aquellas personas que aman el cine, que aman principalmente el VHS y que, con cierta nostalgia, maravilla saber que el formato más democratizador del séptimo arte contribuyó en cierta manera, poco a poco, a romper con el statu quo de un pueblo sometido política, social y culturalmente.

A los que estén interesados en ver este documental lo pueden encontrar en You Tube, completo y con subtítulos en español, así que no dejen pasar esta oportunidad.

-Una de las escenas icónicas del documental: Irina Nistor insertando un cassette VHS para iniciar el doblaje de una nueva película.

Federico

The Batman (2022) de Matt Reeves

Interesante reinicio de uno de los superhéroes más espectaculares del Universo DC creado por Bob Kane junto a Bill Finger, que el pasado 30 de marzo cumplió nada menos que 83 años de historia. The Batman es uno de esos proyectos fílmicos donde para mí se trata con respeto los inicios y el desarrollo del personaje en su lucha contra el crimen, organizado o no, basado en el ambiente y la narrativa de los comics, ya sea que me refiera a Detective Comics o a Batman entre otros títulos del caballero de la noche.

El realizador Matt Reeves, además de dirigir la película coescribió el guion junto al reconocido guionista y productor Peter Craig, supo ponerle su impronta personal a la historia con elementos propios del género film noir o cine negro, especialmente del subgénero más actual denominado neo-noir. Reeves cuenta con una trayectoria de realizar películas con bastante éxito en taquilla, como escritor y productor en series de televisión. Para este film declaró que mientras escuchaba la canción “Something In The Way” escrita por Kurt Cobain y perteneciente a la última pista del gran disco Nevermind de Nirvana, sintió que la letra y la música fueron una gran influencia para la primera mitad del guion, además comentó que mientras iba escribiendo ya tenía en mente que el actor británico Robert Pattinson interpretara a Batman, aun sin saber si éste aceptaría o no el papel; en este punto la idea de un Bruce Wayne retratado como un simple playboy fue dejado de lado y se concentró en buscar un cierto paralelismo entre Cobain y Pattinson sobre como ambos manejaron el rápido ascenso a la popularidad y cómo han lidiado con esa carga, uno desde la música y en el otro caso desde la actuación.

El resto del reparto principal fue conformado por la cantante y actriz Zoë Kravitz como Selina Kyle/Catwoman, Paul Dano interpretando al Acertijo (The Riddler), Andy Serkis como el mayordomo Alfred, John Turturro haciendo del jefe de la mafia Carmine Falcone, Jayme Lawson como la postulante a alcaldesa Bella Reál, Colin Farrell interpretando al Pingüino con su nombre real abreviado de Oz y Jeffrey Wright como el Comisionado James Gordon. En este último caso es llamativo que Gordon sea interpretado por un afoamericano, pero el resultado a mi parecer es muy bueno y convincente.

El film es una coproducción entre Warner Bros. Pictures, DC Films y 6th & Idaho Productions; el productor Dylan Clark empezó a preparar este proyecto y desde el año 2017 se incorporó el propio Matt Reeves; hasta ese momento desde 2013 la preproducción iba por otro camino, con otro guion y con el actor Ben Affleck, que había interpretado a Batman en las últimas películas, para ser de nuevo no solo el protagonista sino también el director. Cuando Affleck se baja del proyecto Reeves pudo introducir sus modificaciones al guión que se estaba desarrollando, especialmente de retirar la película del Universo Extendido de DC (DCEU) en curso; finalmente el proyecto del ahora nuevo director, con su título tentativo de “Vengeance” fue tomando más fuerza entre el 2018 y 19, terminando de consolidarse cuando Robert Pattinson pasó las audiciones y la prueba de cámara con el traje puesto, según manifestó Reeves.

La filmación de la película se llevó a cabo durante 14 meses por las restricciones de la Pandemia del Covid-19, durante el rodaje se tomaron todas las precauciones sanitarias necesarias y el contacto estrecho entre el equipo técnico y los actores y actrices era el mínimo indispensable; es por eso que hubo un parate de casi 5 meses luego de que Pattinson resultara positivo de Covid. Finalmente para mitad de marzo del 2021 se concluyeron las filmaciones. Las locaciones seleccionadas para el rodaje de The Batman fueron variadas, en principio utilizando edificios e instalaciones dentro del Reino Unido como Liverpool, Bedfordshire y Londres en Inglaterra, también en Shotts y en Glasgow dentro de Escocia; y por último para representar la totalidad de las escenas que transcurren en las calles de Gotham se utilizaron distintas calles de la ciudad de Chicago, Illinois en los Estados Unidos.

El traje de Batman fue creado por Glyn Dillon y David Crossman, reutilizando un viejo chaleco antibalas de la guerra de Vietnam, donde se le dio forma a las capas de tela kevlar internas para conformar el torso; para el caso del casco la forma elegida fue como el de una calavera y las piezas del cuello como si fueran vértebras, dando la sensación de representar a un ángel de la muerte. Para terminar, una de las características a pedido del propio Matt Reeves que se dejó en pantalla sin retocar, para así lograr una experiencia más realista, fue que se mantuviera el maquillaje negro entre los ojos cuando Bruce Wayne se saca el casco.

Al compositor Michael Giacchino se le encomendó la tarea de escribir el tema principal incluso antes de que el film comenzara su preproducción, mientras Matt Reeves todavía se encontraba escribiendo el guion. Cuando Giacchino concluyó el trabajo a comienzos del 2019 les envió el material a los productores y Reeves lo escuchó mientras conducía su auto junto al productor Dylan Clark; ambos se encontraban en viaje para hacer la prueba de cámara de Robert Pattinson.

The Batman fue originalmente programada para su estreno en salas de cine el día 25 de junio de 2021, pero debido a que la Pandemia del Covid-19 continuaba en el mundo la producción se detuvo y Warner Bros. Pictures retrasó el lanzamiento, primero para el 1 de octubre de 2021 y finalmente para el viernes 4 de marzo de 2022, con una premiere el martes 1 de marzo en el Lincoln Center for the Performing Arts en la ciudad de New York. Existieron proyecciones especiales en las ciudades de Paris y Londres los días 21 de febrero y el 23 de febrero respectivamente de este año. En Argentina su estreno se dio el día jueves 3 de marzo con el título acortado de Batman, acompañando un lanzamiento simultáneo en varios países, especialmente en Sudamérica. Hasta el día de hoy, la película lleva recaudado $365.4 millones de dólares en los cines de los Estados Unidos y Canadá, así como unos $386.6 millones en el resto del mundo, representando un total recaudado a nivel mundial de $752 millones, convirtiéndose en la película más exitosa en lo que va del año. Su buena performance hace que se convierta en la primera entrega de una nueva futura trilogía del hombre murciélago.

El lunes 18 de abril Warner anunció el lanzamiento para descarga digital, así como su visualización en la plataforma de streaming HBO Max, de 2022. The Batman se convirtió en la primera película de Warner Bros. Pictures distribuida en cines en más de un año que no se transmitió simultáneamente junto a HBO Max; se espera que en la televisión por cable el canal HBO la estrene a fines de este mes y que a fines de mayo la división Warner Bros. Home Entertainment la edite en los formatos Ultra HD Blu-ray, Blu-ray y DVD.

The Batman y la influencia de los comics:

Al ver la película se puede visualizar que Matt Reeves quiso personalizar un Batman más cercano al de los comics, lo que a mi juicio terminó siendo un punto a favor pero en detrimento de las personas que solo consumen al hombre murciélago en las películas. La duración del film, de unas  2 horas y 56 minutos, hace que se tome su tiempo para plantearnos una historia más detectivesca, más afín para los que crecimos leyendo los comics de DC. En principio se nota una fuerte influencia estética tomada de Batman: Year One (1987) de Frank Miller y David Mazzucchelli, especialmente en el contexto de la ciudad de Gotham City con la mafia y la corrupción asechando la ciudad; el personaje de Selina Kyle siendo una fiel imagen de los trazos de Mazzucchelli. De todos modos la historia del film transcurre cronológicamente durante el segundo año de actividad de Batman, con un Bruce Wayne de unos 30 años aproximadamente, que continúa adquiriendo experiencia. Se puede reconocer una gran influencia de las historias del Batman de los 80 post Crisis en las Tierras Infinitas y especialmente en la etapa de Batman realizado por Denny O'Neil y Neal Adams a comienzos de la década del 70, donde ambos regresaron al hombre murciélago a la oscuridad como una criatura de la noche; Es por esto que otras historias de Batman relevantes que le resultaron inspiradoras a Reeves fueron Batman: The Long Halloween (1996-1997) de Jeph Loeb y Tim Sale, de donde se extrajo la versión definitiva del mafioso Carmine Falcone (ya presentado en Año Uno)  entre otras cosas, y por último la novela gráfica Batman: Ego del año 2000, escrita y dibujada por Darwyn Cooke, donde se basó la idea central del conflicto que enfrenta el personaje principal, que va profundizando en la dicotómica mente de Bruce Wayne y Batman, para mostrar la confrontación psicológica que hace Bruce para convertirse en el hombre murciélago, el autoconocimiento de su lado más oscuro y sombrío haciendo cosas con el traje de Batman que de otro modo no podría hacer.

Para finalizar, el director incorporó ciertas referencias de la serie de tv de Batman de 1966 dentro de la película, ya sea en elementos en algunos momentos del film y detalles de ciertos personajes.

Apreciaciones generales

Realmente tengo que decir que me resultó un film con una excelente historia, aun con sus puntos altos y bajos, teniendo un tono muy parecido a los comics que yo leía de chico. Me sentí muy adentro nuevamente como si estuviera leyendo números de Detective Comics, Batman o Shadow of the Bat. La puesta en escena de cómo luce Gotham City es muy acertada y los personajes están bien desarrollados para lo que se supone será la primera de una trilogía. La idea de ir siguiendo las pistas del Acertijo como un asesino en serie que va matando a políticos y gente importante en Gotham, mientras se van presentando al resto de los personajes principales como el Pingüino, Carmine Falcone o Selina Kyle te mantiene atento a todo lo que se ve en pantalla

Todos los actores y actrices cumplen muy bien con sus papeles; la representación de Colin Farrell como el Pingüino habrá que esperar lo que se viene a futuro, pero puedo decir que está mucho más cerca de su contraparte en versión papel y eso ya promete mucho. Lo mismo digo para lo poco que se muestra del Joker (aunque existe una escena eliminada que se puede ver en YouTube) interpretado por el actor Barry Keoghan; habrá que ver qué desarrollo le dará Reeves al villano en las futuras secuelas y si se mantendrá Keoghan en el papel.

Para el caso del Acertijo la situación fue muy diferente, ya que Matt Reeves comentó que para construir su propia versión del personaje se inspiró en el serial killer denominado  Asesino del Zodiaco (Zodiac Killer) que mató a varias personas a fines de los 60 en el norte de California, y cuya identidad se desconoce hasta el día de hoy; Esto me gustó mucho aunque no fuera muy fiel y termina sacándonos de la cabeza la última imagen que tuvimos del villano llevado a la pantalla grande, mostrando un lado diferente y sombrío, donde incluso la representación del actor Paul Dano estuvo a la altura de lo que ideó Reeves, aunque repito que no tiene nada que ver con la versión de los comics o su encarnación en otros formatos para cine y televisión.

Vuelvo a destacar que se agradece que Reeves se haya basado mayormente en del universo de los comics del hombre murciélago para escribir su historia. Es por esto que dejo como conclusión que si no estás familiarizado con el background del Universo Batman en papel, más allá de la década de los comics que tomes de referencia, seguramente la historia te va a resultar extraña y lenta, pero que quizás el lanzamiento del film sea una invitación a que las personas vayan a leer esas historias si no lo hicieron. En suma, un Batman para los y las fans que crecimos (y muchos otros/as siguen) leyendo al hombre murciélago en papel.

Robert Pattinson recibe indicaciones del director Matt Reeves.

Federico

Primer logo tentativo original para la película RoboCop presentado en el ShoWest Product Reel de 1986

La convención ShoWest, creada en 1976 y propiedad de la unidad fílmica de la compañía Nielsen Business Media, durante su existencia se constituyó como uno de los cuatro principales eventos anuales en todo el mundo dedicado a la industria cinematográfica, donde las compañías productoras de Hollywood y las independientes presentaban todos sus estrenos para el año. Para la convención realizada en 1986, la compañía productora y distribuidora Orion Pictures Corporation presentó todos sus próximos lanzamientos, y además una pequeña muestra de los futuros títulos a producir para el año siguiente, todo compilado en un reel fílmico; con el objetivo de atraer compradores y potenciales inversores para la compañía.

Entre todo el material mostrado destaco un hecho curioso que aconteció en el final, justo cuando se presentaron las futuras películas para el siguiente año, y es el anuncio del film RoboCop, con la particularidad de presentar en pantalla un isologo para el film que luego no se utilizó cuando finalmente estuvo terminada y lista para estrenarse en cines. La voz en off presenta la trama de la siguiente forma: "Cuerpo mecánico, memoria humana. La máxima aplicación de la ley operada del futuro".

-Presentación del ShoWest Product Reel hecho por Orion Pictures Corporation.

-Isologo primitivo para RoboCop, con el nombre del título dentro de una placa. Este concepto simple fue descartado cuando el film entró en producción.

-Logotipo final utilizado cuando la película se estrenó en julio de 1987.

Federico

They Shall Not Grow Old (2018) de Peter Jackson

El año pasado tuve la oportunidad de ver este espectacular documental sobre la Primera Guerra Mundial hecho en su totalidad por el realizador Peter Jackson; la película fue co-encargada por el consorcio 14-18 NOW: un programa artístico elaborado por el Reino Unido para conmemorar el primer centenario de la Guerra Mundial, el Museo Imperial de la Guerra (Imperial War Museum o IWM por sus siglas en inglés) y en asociación con la cadena BBC, quiénes sus representantes se acercaron a Jackson en el año 2015 para proponerle el proyecto. Para él constituyó un proyecto personal ya que uno de sus abuelos, el Sargento William Jackson fue parte del Ejército Británico desde 1910 a 1919 y participó en la Gran Guerra.

El título de este documental se inspiró en la oración "They shall grow not old" del poema de 1914 "Por los caídos" del poeta inglés Laurence Binyon, que era famoso por ser usado en la Oda de Rememoración: un día de recuerdo del conflicto bélico para el Reino Unido y los países de la Commonwealth; lo que hizo Peter Jackson fue elegir poner las palabras en un orden más lógico, en contraste con la sintaxis más arcaica que tenía Binyon.

El director tuvo total acceso a 600 horas de entrevistas realizadas por la emisora BBC y el IWM, además de 100 horas de filmaciones originales en blanco y negro del IWM; la mayoría de esas imágenes registradas nunca fueron vistas antes, y con una antigüedad de más de 100 años para el momento de su estreno.

Jackson reunió a su equipo de trabajo, de su propia productora WingNut Films y revisaron todo el material disponible, por ejemplo de las entrevistas a los 200 soldados se utilizaron el audio de 120 de ellos en la película; solo para esta tarea de compilar, ordenar y procesar las filmaciones se demandó un año entero de revisión. En una entrevista para el portal australiano Flicks, Jackson declaró: "Tomamos la decisión de no identificar a los soldados como sucedió en la película. Había tantos nombres que aparecerían en la pantalla cada vez que aparecía una voz. En cierto modo se convirtió en una película anónima y agnóstica. También editamos cualquier referencia a fechas y lugares, porque no quería que la película fuera sobre este día aquí o ese día allí. Hay cientos de libros sobre todo eso. Quería que la película fuera una experiencia humana y fuera agnóstica de esa manera… No quería historias individuales sobre individuos, quería que fuera lo que terminó siendo: 120 hombres contando una sola historia que es ¿cómo fue ser un soldado británico en el frente occidental?”

La mayoría de las imágenes han sido coloreadas y transformadas con modernas e innovadoras técnicas de producción por computadora, se añadieron efectos de sonido y voces para que se aprecie todo el conflicto de primera mano y uno mismo al ver las imágenes pueda sentirse más cerca de las experiencias reales vividas por los soldados. Las voces de los soldados en las imágenes restauradas se añadieron leyendo de manera profesional sus labios, y luego (en aras de la exactitud) contratando actores de voz de la misma zona de Gran Bretaña donde los soldados provenían. Bajo ningún punto de vista Jackson quería utilizar una voz como narrador como los documentales tradicionales.

Uno de los grandes desafíos para colorear de las imágenes fueron la hierba y la suciedad, algunos de los lugares reales fueron identificados y el mismo Peter Jackson se encargó de ir personalmente y tomó miles de fotos para usar como referencia al momento de la restauración. Hay que decir que no todas las escenas de lucha vistas en las filmaciones fueron tomadas en el momento preciso de la batalla; durante la Primera Guerra Mundial los periodistas y camarógrafos de los noticieros para cine tenían acceso al campo con los soldados cuando las situaciones estaban más tranquilas y controladas, por lo que algunas escenas de batalla fueron recreadas deliberadamente para la cámara, con sólo un día o dos de diferencia después de la batalla real, por los soldados para permitir a los camarógrafos mostrar algunas cosas con mayor claridad de lo que habrían sido capaces de obtener. Este material recreado original de los archivos del noticiero fue muy utilizado por Jackson ya que son filmaciones más cinematográficas y la calidad de la fotografía es mucho mejor de lo que las genuinas imágenes durante el campo de batalla les habría permitido.

Otro de los elementos claves de este documental es el hecho que el realizador dejó de lado de manera deliberada como era la perspectiva de la guerra vista por los franceses, canadienses, estadounidenses, alemanes, rusos y otros participantes debido a la enormidad de tiempo de lo que podría haber hecho; es por esto que optó por centrarse solo en las fuerzas británicas sintiendo que su experiencia era similar a la de todos los demás, comentando que los soldados de cualquier país podrían haber sido sustituidos y la película habría sido la misma.

Cuando se estaba acercando el final de la producción, Peter Jackson tuvo como idea de que la película termine con la canción "Mademoiselle from Armentières" (que fue particularmente popular durante la guerra) en los créditos finales y producir una nueva grabación. Si bien no hubo tiempo de que actores británicos volaran hasta Nueva Zelanda, y en lugar de que hombres no británicos trataran de cantar con acento británico, hablantes nativos al servicio del gobierno del Reino Unido fueron reclutados por la Alta Comisión británica en el país (British High Commission Wellington) para que vinieran al estudio de grabación a interpretar una versión extendida de la canción.

They Shall Not Grow Old fue producida enteramente por Peter Jackson junto a Clare Olssen, con Ken Kamins, Tessa Ross y Jenny Waldman como productores ejecutivos; el score musical fue compuesto por el trío neozelandés Plan 9 formado por David Donaldson, Steve Roche y Janet Roddick. Por último Jabez Olssen fue el encargado de editar todo el documental. La coproducción entre Reino Unido y Nueva Zelanda fue realizada, además de WingNut Films, por House Productions, el Imperial War Museum de Londres y el canal BBC One con sus derechos televisivos. Trafalgar Releasing se hizo de los derechos de exhibición en los cines británicos y Warner Bros. Pictures obtuvo los derechos para la mayoría de los países del mundo. 

La película tuvo una premiere especial el día 16 de octubre de 2018 en el BFI Festival de Cine de Londres en presencia del príncipe William, Duque de Cambridge, y el 22 de octubre se presentó en el Festival de Cine de Roma, Italia. Finalmente se estrenó de manera comercial a partir del 9 de noviembre del 2018 en varios cines seleccionados del Reino Unido, mientras que se enviaron copias de la película también a escuelas del país para que la exhiban el mismo día. Tras estrenarse en varios países como Irlanda, Australia, Nueva Zelanda, Rusia, Sudáfrica, Canadá, Estados Unidos, Suecia y Perú, They Shall Not Grow Old fue estrenada en Argentina como una selección dentro del Festival de Cine de Buenos Aires - BAFICI el día lunes 8 de abril del 2019 con el título “Jamás llegarán a viejos”, para luego tener un lanzamiento en los cines comerciales a partir del jueves 18 del mismo mes. La crítica especializada alabó todo el enorme trabajo y el esfuerzo realizado por Jackson para mantener la tensión y el interés durante todo el documental, especialmente en su representación de la guerra; They Shall Not Grow Old obtuvo una nominación para el Premio BAFTA al Mejor Documental.

Como dato interesante hay que mencionar que Peter Jackson no recibió ningún pago por la realización de este documental, los montos que le entregaron a su productora le sirvieron al equipo para costear los trabajos de restauración visual de todas las 100 horas de metraje que el Museo Imperial de la Guerra les enviaron de forma gratuita, con el firme propósito únicamente para poner su archivo fílmico en mejores condiciones y no se deteriore más el nitrato.

Apreciaciones generales

Debo decirles que me encanta la historia en general, tanto leerla como verla, y nunca había visto tantas filmaciones inéditas sobre la Primera Guerra Mundial y como era la sociedad británica en ese momento, el antes y el después donde la sociedad tomó una postura cuando el conflicto bélico finalizó y había que volver a la normalidad. Lo que más me impactó de “Jamás llegarán a viejos” son las variadas imágenes crudas y terribles de la guerra, las deplorables e inhumanas condiciones de vida en que los miles de cuerpos de batallones ingleses tenían que (con)vivir en las trincheras, al igual que en el campo enemigo. Las imágenes mezcladas con el relato en primera persona de los soldados o militares de alto rango muestra la terrible realidad de lo que fue ser parte de una guerra que tomó mucho tiempo, aunque también cómo eran los escasos momentos de esparcimiento y diversión que se buscaban para tratar de pasar la situación de la mejor manera posible, todo tratado con un grado de rigurosidad y respeto por parte del realizador y su equipo.

La sensación de que somos parte del conflicto, estando ahí como si fuéramos un soldado más es el excelente enfoque particular que le da Jackson al tratamiento narrativo, para contar su visión del conflicto generado entre ingleses y alemanes antes, durante y después de que finalizó la llamada Gran Guerra durante mucho tiempo.

Personalmente les recomiendo mucho este documental, tremendo laburo de un grande como es Peter Jackson, al que me gusta más en su faceta como director de cine de terror (aclaro), pero They Shall Not Grow Old me atrapó desde su primer momento por el lado de la historia, uno de mis grandes intereses. Y aún para el que no es muy interesado a este tipo de género, hago la recomendación solo a los fines de que las imágenes sean lo suficientemente sugestivas para tomar conciencia de los horrores de la guerra y sus consecuencias.

Si están interesados en verla la pueden encontrar en algunas páginas de internet para ver de manera online, en mi caso la vi subtitulada y creo que es la mejor forma para ver este documental. Desconozco si se encuentra disponible en algunas de las plataformas de streaming disponibles.

Algunas imágenes del documental:

Federico